Brian Russell De Palma
“Mis películas lindan con un mundo estilizado y expresionista, que tiene un tipo de belleza grotesca en él”.
Brian De Palma
Por Vincent Gil
El realizador estadounidense entra en lo más remarcable del séptimo arte, convirtiéndose en un nombre que quizá sea vilipendiado en muchas ocasiones y pueda verse incluso despreciado, pero sin duda en ese caso se hablaría de un cineasta subvalorado. Su huella personal se decanta por el amor al mismo cine, al cine clásico, especialmente recogiendo lo mejor del maestro Alfred Hitchcock y su influencia en el género de suspenso. De esa manera Brian De Palma se vuelve un alumno aventajado del realizador inglés, aportando thrillers y obras de suspenso de gran relevancia, así como cintas criminales, bélicas (o anti-bélicas) y sátiras importantes.
De Palma, descendiente italoamericano, se interesó en un inicio por un enfoque distinto al cinematográfico, ya que se orientaba más por campos como la física, hasta que el cine lo atrajo de forma trascendental, sobre todo cuando vio Citizen Kane de Orson Welles de 1941 y corrigió su camino para estudiar esa nueva pasión. Comenzó a realizar cine en una generación donde algunos directores de su país emergieron con gran talento, muchos de ellos apadrinados por Roger Corman, como Martin Scorsese, Oliver Stone y Francis Ford Coppola, y al mismo tiempo que Steven Spielberg, William Friedkin, Peter Bogdanovich, Jerry Schatzberg o George Lucas, entre muchos otros. Una generación que entró en el panorama cinematográfico con fuerza, especialmente en la década del setenta, la cual está plagada de crudeza, violencia y temas contundentes, con el contexto de la Guerra de Vietnam como situación social del momento y con un reflejo cinematográfico impactante de esa realidad. Casi todos estos realizadores, de esa nueva ola de cine hollywoodense, continúan el buen hacer en la actualidad, incluso De Palma, aunque ya no con la constancia de realización de antes.
La primera etapa de su carrera fílmica se centra en películas de comedia (entre sátiras contestatarias sobre muchos aspectos políticos de Estados Unidos y otras que casi son parodias), un inicio por momentos experimental y rebelde, que no resulta en su totalidad tan sobresaliente (aunque son obras consideradas de culto), pero desde allí mostraba indicios de lo que sería su marca visual y algunos resquicios de su siguiente etapa. Esa etapa más arraigada en su esencia, y que continúa en tiempos recientes, es adentrada en el thriller y el suspenso. Desde todos los elementos técnicos que desarrolló y con los que experimentó y se volvieron registro personal (la pantalla dividida, el split focus, el paneo circular, el slow motion -que no se suele manejar muy bien en muchos otros casos con otros directores-, el plano aberrante, entre otros), hasta la construcción de atmósferas, tensión y set pieces realmente brillantes (memorables). Lo formal en su cine se vuelve clave y es muy importante, pero más allá de ello, siempre hay otros elementos significativos sobre su visión crítica frente a la sociedad de su país (por ejemplo), hasta aspectos referenciales especialmente a Hitchcock o a Argento o a Godard.
Revisión de su Filmografía
Su primer largometraje es de 1968 y se trata de Murder à la Mod, la cual se adentra de hecho en lo que será su género favorito, el suspenso. Un thriller imperfecto, que trata de experimentar con la narrativa, debido al uso de múltiples puntos de vista de un mismo suceso, un crimen, con influencia de Rashômon de Akira Kurosawa de 1950. Con toques cómicos no efectivos y algo absurdos y exagerados, la película no trasciende como debería gracias a la premisa que plantea o al uso no tan impactante del blanco y negro, pero ya mostraba rasgos de su estilo, como el vouyerismo o el crimen y comenzaba su colaboración con dos de sus actores fetiche: William Finley y Jennifer Salt.
Título: Murder à la Mod
Guion: Brian De Palma.
País: Estados Unidos.
Año: 1968.
Su segunda película llega en el mismo año, Greetings cuenta la historia de un grupo de jóvenes que no quieren ir a la Guerra de Vietnam, personas con un comportamiento vago y liberal. Robert De Niro protagoniza esta cinta que no genera muy buenos recuerdos o recepciones, ya que el humor satírico y extralimitado no funciona del todo bien y no termina de encajar con aspectos formales experimentales como el rompimiento de la continuidad de la historia, con diálogos que suceden con distintos fondos y tiempos (con influencia de Jean Luc-Godard). Además, la obra posee personajes poco empáticos y no tan remarcables. Es para destacar que esa relación profesional con De Niro fue la que produjo un interés e influencia directa en que Martin Scorsese comenzara la suya propia con el gran actor estadounidense.
Título: Greetings
Guion: Brian De Palma y Charles Hirsch.
País: Estados Unidos.
Año: 1968.
The Wedding Party se estrena en 1969, quizá su peor película, donde el guion no aporta una historia significativa o desarrollada con esfuerzo y, lo tedioso sale a flote con situaciones poco inspiradas y personajes para nada destacables que connotan más una especie de trabajo estudiantil y sin mayores pretensiones. Se trata de otra sátira, en este caso más familiar y enfocada al matrimonio, con un hombre que no se quiere casar y asiste a una fiesta que organizan sus amigos y familiares. Continúa su trabajo con Robert De Niro, Jennifer Salt y William Finley.
Título: The Wedding Party
Dirección: Brian De Palma, Wilford Leach y Cynthia Munroe
Guion: Brian De Palma, Wilford Leach y Cynthia Munroe.
País: Estados Unidos.
Año: 1969.
Dionysus in ’69 de 1970 es un proyecto bastante experimental, donde se muestra la ejecución de una obra de teatro y la reacción del público a ella. Grabada a dos cámaras, donde usa por primera vez la pantalla dividida. Aparece de nuevo William Finley y, de hecho, su personaje es quien lleva el peso de la obra de teatro y de la película. Una obra que no es redonda, pero que posee algunos elementos interesantes en su propuesta sin llegar a trascender.
Título: Dionysus in ’69
Dirección: Brian de Palma. Obra de teatro: Richard Schechner
Guion: William Arrowsmith. Basada en la obra de Eurípides.
País: Estados Unidos.
Año: 1970.
Llega entonces la secuela de Greetings en 1970, se trata de Hi, Mom!. En la primera entrega había tres personajes principales, ahora el enfoque se acerca hacía el de Robert De Niro, el cual continúa con su Peep Art, arte vouyerista, que se siente en él algo morboso y con intensiones poco confiables. Destaca un momento en el que se muestra una obra de teatro con contexto de la comunidad afroamericana y critica al racismo. Recursos algo tontos, aceleración de la imagen o algunos elementos del humor poco efectivo son aspectos negativos que surgen y hacen decaer la obra. Una vez más, De Palma deja notar su filia por el concepto vouyeur y trabaja de nuevo con Jennifer Salt.
Título: Hi, Mom!
Guion: Brian De Palma.
País: Estados Unidos
Año: 1970.
Continúa explorando la comedia, esta vez más cercano a la parodia con Get to Know Your Rabbit de 1972, su primera obra de gran estudio. Se trata de una obra que tuvo algo de control de los productores, la cual tampoco logra sobresalir, aunque logra ser más satisfactoria que sus anteriores obras. Cuenta el argumento de un ejecutivo que adquiere la pasión de la magia y decide dejar su carrera y centrarse en esa nueva faceta con viraje al espectáculo. Se desaprovecha al actor y director Orson Welles que tiene un pequeño papel en la película y el desarrollo general se estanca sin avanzar. Vuelve a usar la pantalla dividida y crea una secuencia específica desde la puesta escena significativa, grabada en secuencia y desde un ángulo cenital, que es de lo que más cabe remarcar de la película y que retomará en sus siguientes trabajos.
Título: Get to Know Your Rabbit
Guion: Jordan Crittenden.
País: Estados Unidos.
Año: 1972.
Llega el momento de su intromisión en el thriller, como es debido, con su primer filme relevante. Sisters de 1972 trata sobre una mujer siamesa que perdió a su hermana en el parto de su madre. Ella siente aún ese ser presente en su vida, mientras una vecina presencia por la ventana un posible crimen relacionado con esta mujer. La película posee influencia de obras de Hitchcock como Rear Window de 1954 (el elemento vouyerista y de un crimen que es presenciado a través una ventana), Psycho (Psicosis) de 1960 (por el desarrollo psicológico del personaje de la mujer y un indicio o guiño a lo que sería una imagen cercana al Slasher o incluso el Giallo italiano) o Rope de 1948 (por planos secuencia involucrados en la narrativa). El trabajo de suspenso en la cinta es genial, con altas dosis de tensión y aderezado desde lo formal por aspectos típicos en su cine como la pantalla dividida, la cual se usa magistralmente en la película. Sin duda estos elementos los perfeccionará aún más con obras todavía más memorables que estaban por venir. En la película trabaja de nuevo con el actor William Finley y por última vez con la actriz Jennifer Salt. Además, comienza su colaboración junto al gran Bernard Hermann en la composición de la música y es otro guiño más al cine de Hitchcock.
Título: Sisters
Guion: Brian De Palma y Loisa Rose.
País: Estados Unidos.
Año: 1972.
Vendrá un musical de culto basado en El Fantasma de la Ópera de Gastón Leroux, llamado Phantom of the Paradise de 1974. Un aspirante a músico crea unas composiciones que les son robadas por un productor. Su cara se desfigura cuando trata de boicotear la producción de discos, pero seguirá con deseos de venganza cuando traten de montar una ópera rock y, él ronde el teatro donde sucede. Es pues uno de los pocos musicales que generan empatía, ya que se trata de un género algo extralimitado, absurdo y en el que el espectador debe ceder en el pacto ficcional para adentrase mejor en el mundo propuesto. Es una obra colorida y saturada, previa a un enfoque similar que vendría con The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman de 1975, con personajes llamativos y escenografías estrafalarias que otorgan imágenes para recordar. Ese trabajo de escenografía es producto de Jack Fisk, diseñador de producción relacionado a obras de David Lynch o Terrence Mallick. Se destaca la presencia de la actriz Jessica Harper (Suspiria) y quizá el papel más relevante de William Finley en su colaboración junto a De Palma.
Título: Phantom of the Paradise
Guion: Brian De Palma y Louisa Rose.
País: Estados Unidos.
Año: 1974.
Obsession de 1976 recoge lo mejor de obras como Vertigo de 1958 y Rebecca de 1940, ambas de Alfred Hitchcock. Un empresario va a pagar el rescate de su esposa e hija, quienes estaban secuestradas, pero presencia cómo las asesinan. Tiempo después, gracias a un viaje de negocios con su socio, observa a una mujer en Italia que es idéntica a su esposa. El misterio, el suspenso y la falsa identidad son ejes del relato, que de nuevo se adentra en el thriller destacado en su filmografía. Destaca, además, el uso de planos recursivos y que van en función de la historia. No es del todo redonda, por algunos elementos predecibles y no tan efectivos relacionados al personaje principal, pero es otro thriller suyo que funciona correctamente. Se trata además de la primera colaboración junto a John Lightgow y una vez más con William Finley. Además, logra colaborar de nuevo junto a Bernard Hermann poco antes de su muerte, siendo su última película.
Título: Obsession
Guion: Paul Schrader.
País: Estados Unidos.
Año: 1976.
Llega la primera adaptación de una novela de Stephen King en el cine, un clásico rotundo de De Palma llamado Carrie en 1976. El argumento se centra en una adolescente que es vapuleada por el bullying en su colegio, la cual tiene un halo de esperanza con una pareja, especialmente un chico que le presta atención y la invita al baile que organiza el colegio. Esta vez la mezcla va entre el drama, el suspenso y el terror, con un desarrollo tremendo del personaje principal y su aspecto psicológico. Con antagonistas variados, no solo representados en sus compañeros que tratan de hacerle a ella la “broma definitiva” (con la que sacarán lo peor en ella), sino en su misma madre, una fanática religiosa que incidirá de forma negativa y traumática también en su comportamiento. Continúan los set pieces, ahora con más fuerza, del realizador, especialmente en el clímax de la película. Destaca la presencia de Sissy Spacek (quien cambió de película a protagonizar con Carrie Fisher y el clásico Star Wars), William Finley, una estupenda Piper Laurie o la primera colaboración con John Travolta Nancy Allen (Halloween) y Amy Irving. Por su parte continúa su trabajo desde lo técnico junto a Jack Fisk, el editor Paul Hirsh y comienza la colaboración con el gran compositor Pino Donaggio que venía desde Italia.
Título: Carrie
Guion: Lawarence D. Cohen. Novela: Stephen King.
País: Estados Unidos.
Año: 1976.
Sigue en la década del setenta con la película The Fury en 1978. El hijo de un hombre es secuestrado y su padre tiene como objetivo hacer algo al respecto, gracias a los poderes telequinéticos que posee (elemento en común con su película anterior). Destaca la presencia de dos actores importantes como son Kirk Douglas y John Cassavetes (también director reconocido de cine independiente), aunque la trama relacionada con el poder sobrenatural se usa mejor en Carrie y la premisa es algo similar a Firestarter, el libro de Stephen King.
Título: The Fury
Guion: John Farris. Novela: John Farris.
País: Estados Unidos.
Año: 1978.
De Palma regresa al estilo cómico de su inicio, pero como en ese periodo, no lo hace de forma adecuada. Se trata de Home Movies de 1979, en la que un joven comienza a seguir a su padre, por la sospecha de que engaña a su madre, mientras la narrativa se rompe por la presencia de un profesor que da indicaciones al personaje de cómo evolucionar y actuar de ahí en adelante. De nuevo el humor no es el mejor recurso usado por él, la exageración y momentos incluso absurdos salen a flote y, a pesar de algunos momentos narrativos interesantes, o retomar el tema vouyerista, no es muy recomendada. Trabaja de nuevo con la actriz Nancy Allen, con el gran Kirk Douglas, con Pino Donaggio y por primera vez con Keith Gordon.
Título: Home Movies
Guion: Kim Ambler, Dana Edelman, Robert Harders, Stephen Le May, Charlie Loventhal y Gloria Norris.
País: Estados Unidos.
Año: 1979.
Se estrena uno de sus mejores thrillers, Dressed to Kill (Vestida para Matar) en 1980. El esposo de una mujer, asesinada brutalmente, investiga lo sucedido para tratar de dar con la asesina. Su esposa lo engañó previo a su muerte, ya que estaba insatisfecha con él. De nuevo surge el tema de la influencia de Hitchcock, esta vez con Psycho (Psicosis) de 1960. Los set pieces resultan geniales (cómo olvidar esa secuencia en la galería de arte o el asesinato en el elevador –muy al estilo Giallo-), la creación de suspenso se ejecuta con maestría y la psicología del personaje antagónico se trata de forma correcta y profunda. Trabaja de nuevo con Nancy Allen que siempre es eficiente, hay un cameo sonoro de William Finley, trabaja de nuevo con Keith Gordon, Pino Donaggio, además, de colaborar aquí con el estupendo Michael Cane, que realiza un desempeño inmejorable.
Título: Dressed to Kill
Guion: Brian De Palma.
País: Estados Unidos.
Año: 1980.
Y en 1981 aparece una de sus mejores películas, la imprescindible Blow Out (Impacto) protagonizada por John Travolta, Nancy Allen y John Lightgow. Con referencia directa al Blow Up de Michelangelo Antonioni de 1966, la historia se centra en un sonidista de películas de serie B y terror que graba y presencia un accidente de tránsito, mientras grababa algunos sonidos en una noche de un lugar lejano de la ciudad. En la grabación de lo sucedido, se da cuenta que pudo haberse tratado de un crimen, un asesinato a un político que murió en el accidente, por lo que acompañará a una prostituta que estaba con el político para ahondar en lo sucedido, a pesar del inminente peligro de ello. Se hace énfasis también en la influencia de los medios de comunicación, además del exceso de poder para tratar de ocultar la verdad y engañar al público. Secuencias de gran recordación, suspenso bien dosificado, referencia al Slasher y al Giallo con la secuencia inicial, cine dentro del cine y tensión inagotable, son solo algunos aspectos de esta gran obra. Una vez más trabaja con el gran Pino Donaggio.
Título: Blow Out
Guion: Brian De Palma y Bill Mesce Jr.
País: Estados Unidos.
Año: 1981.
Quizá llega la película más conocida de su filmografía, se trata de Scarface de 1983. Remake del clásico de Howard Hawks de 1932 (una gran película) del mismo nombre. Se trata de una obra al estilo pulp, con tendencia al cómic, que se adentra en la historia y evolución ascendente de un mafioso cubano llamado “Tony Montana”, uno de los personajes más recordados del cine, especialmente por la interpretación del gran Al Pacino. Con diálogos icónicos y escenas clave que se recuerdan por siempre, es el primer acercamiento al tema criminal y mafioso en su cine, haciéndolo de forma precisa y visualmente poderosa.
Título: Scarface
Guion: Oliver Stone. Novela: Armitage Trail.
País: Estados Unidos.
Año: 1983.
Un nuevo thriller emerge en su carrera, siendo otro más de los inolvidables. Body Double (Doble de Cuerpo) de 1984 cuenta la historia de un hombre despechado que acepta la invitación de un amigo de quedarse en su apartamento, cuidándolo mientras él está por fuera de la ciudad. Con un telescopio observa cómo una mujer de una casa cercana es asesinada por un extraño hombre (una vez más está el homenaje y referencia a Hitchcock con su Rear Window). El misterio se desenvuelve de manera precisa y los giros dramáticos son bien desarrollados, con secuencia repletas de suspenso, como la del centro comercial. La película se adentra en un enfoque algo sórdido e inquietante, así como incisivo, pero bastante llamativo. Retoma aquí su trabajo junto a Pino Donaggio.
Título: Body Double
Guion: Robert J. Avrech y Brian De Palma.
País: Estados Unidos.
Año: 1984.
Una vez más recae en lo poco relevante, volviendo a la comedia con Wise Guys de 1986, y específicamente lindando de nuevo con la parodia. Dos aspirantes a mafiosos se roban el dinero de una apuesta de su jefe y se verán perseguidos por toda la banda. Humor poco inspirado, aceleración de tiempo mal utilizada, o personajes sin gracia, son elementos que no aportan mucho para que la película resalte y que dejan notar que es casi una película por encargo y que se aleja de su mejor estilo.
Título: Wise Guys
Guion: George Gallo y Norman Steinberg.
País: Estados Unidos.
Año: 1986.
The Untouchables (Los Intocables) de 1987 se convierte en su obra maestra, un filme insuperable, plagado de ítems a destacar. Un policía arma un grupo para hacerse cargo del crimen organizado liderado por “Al Capone”, dejando de lado la corrupción habitual en la institución en la que están. El conflicto entre ambos bandos crece, aunque sin dejar las motivaciones de sus objetivos, que van hacia acabar el uno con el otro. Un guion preciso, personajes memorables, set pieces y secuencias narradas visualmente de forma genial, actuaciones insuperables y un soundtrack magnífico del gran Ennio Morricone, todo un coctel de puro cine, estupendo y magnífico. Quedan momentos para remarcar como la secuencia en las escalinatas (homenaje a Bronenosets Potemkin –El Acorazado Potemkin – de Sergei M. Eisenstein de 1925) que es una clase de creación de suspenso y tensión, inmejorable y única o un plano subjetivo de un asesino al entrar a una casa, entre muchas otras. De esa manera, realiza también su mejor colaboración con Robert De Niro, que otorga un personaje memorable, gracias también al excelente guion del gran David Mamet.
Título: The Untouchables
Guion: David Mamet.
País: Estados Unidos.
Año: 1987.
Vuelve a su lado más crítico frente a la guerra con Casualties of War (Pecados de Guerra) de 1989. En ella la historia se centra en Vietnam, donde un sargento decide raptar a una mujer vietnamita para violarla, como venganza por algo ocurrido previamente en el conflicto, a pesar de que ella no tenía nada que ver. Un hombre del pelotón se niega a participar del crimen, evento que incidirá en toda su vida y en el rencor de los demás hacía él. Crítica anti-bélica muy acertada, que muestra de manera cercana las atrocidades de la guerra. Trabaja por primera vez junto a John Leguizamo y cabe destacar el duelo actoral entre Sean Penn y Michael J. Fox en un papel distinto a lo acostumbrado en él.
Título: Casualties of War.
Guion: David Rabe. Libro: Daniel Lang.
País: Estados Unidos.
Año: 1989.
1990 viene con una nueva comedia, esta vez efectiva y significativa, llamada The Bonfire of the Vanities (La Hoguera de las Vanidades). El argumento explora la historia de un periodista que cuenta cómo llegó a ser reconocido, cuando un hombre exitoso de Wall Street tiene un vuelco en su vida en el momento en que su amante atropelle a un hombre afroamericano sin que nadie se dé cuenta. El tema racial, la manipulación política, abuso del poder religioso y de los medios de comunicación, la vida secreta exhibida y, un enfoque judicial, son aspectos que componen esta comedia negra interesante. Desde lo técnico, destaca un plano secuencia inicial muy bien utilizado y que sirve como gancho para lo que viene. En la película trabaja de nuevo con Melanie Griffith, luego de colaborar en Body Double.
Título: The Bonfire of the Vanities
Guion: Michael Cristofer.
País: Estados Unidos.
Año: 1990.
Raising Cain (Demente) de 1992 narra la historia de un psiquiatra que secuestra a su propio hijo, además de muchos otros niños, para realizar con ellos un estudio que extiende las investigaciones realizadas por su propio padre. La múltiple personalidad emerge, con un alter ego que es quien posee el carácter malévolo del protagonista. Sobresale el clímax de la película, con planos secuencias y puestas en escena geniales, además de la tensión presente en toda la obra. Es otro thriller más remarcable dentro de la filmografía de De Palma y, colabora de nuevo junto a John Lightgow y a Pino Donaggio.
Título: Raising Cain
Guion: Brian De Palma.
País: Estados Unidos.
Año: 1992.
Regresa al género del crimen con Carlito´s Way (Atrapado por su pasado) de 1993. Un mafioso quiere salirse de ese mundo criminal en el que está, solo que todo a su alrededor va en su contra. Un estudio del personaje basado en sus conflictos internos es lo que más cabe mencionar, con una actuación muy buena de Al Pacino, que vuelve a colaborar con el realizador, además, también, de trabajar de nuevo con Sean Penn y John Leguizamo. Se trata de otro género que le viene muy bien al director y en el que habita con destreza y habilidad, con la ayuda de un guion significativo escrito por el buen guionista David Koepp.
Título: Carlito´s Way
Guion: David Koepp. Novela: Edwin Torres.
País: Estados Unidos.
Año: 1993.
Mission: Imposible de 1996 se estrena, esta vez una obra mucho más comercial en su carrera, basada en la famosa serie de televisión. Un agente debe averiguar lo que sucedió con el asesinato de casi todo su equipo. Thriller de acción que inicia una saga reconocida, donde crea secuencias muy bien construidas alrededor del misterio, el suspenso y la tensión de altas proporciones, realmente un manejo del ritmo y suspenso magistral. Quedan escenas memorables como la del personaje de Tom Cruise bajando por un cable en una habitación vigilada, donde el trabajo de creación de atmosfera es insuperable.
Título: Missión:Impossible
Guion: David Koepp y Robert Towne.
País: Estados Unidos.
Año: 1996.
Otro thriller surge con set pieces, planos secuencias y misterio inagotable. Se trata de Snake Eyes (Ojos de Serpiente) de 1998. En una pelea arreglada de boxeo de Las Vegas ocurre un asesinato, por lo que todos deben quedarse allí mientras sucede una investigación. Un policía corrupto decide hacerse cargo para resolver el misterio y tomar decisiones acertadas, lejanas de lo acostumbrado en él. Todo sucede en el mismo espacio y casi en tiempo real, con una obra bastante atrapante y entretenida. De Palma colabora una vez más junto al guionista David Koepp, destacando la presencia de Nicolas Cage en la década en la que hizo los mejores trabajos de su carrera actoral.
Título: Snakes Eyes
Guion: David Koepp.
País: Estados Unidos.
Año: 1998.
Mission to Mars del 2000 es su incursión en la ciencia ficción, por supuesto con dosis de suspenso, siendo su última gran participación en un filme de gran presupuesto y de estudio. Se centra en los problemas que tiene una tripulación de una nave que está por llegar a marte. Colabora de nuevo junto a Gary Sinise, el editor Paul Hirsh y Ennio Morricone.
Título: Mission to Mars
Guion: Jim Thomas, John Thomas y Graham Yost
País: Estados Unidos.
Año: 2000.
Un nuevo thriller se estrena, con un paparazzi que sigue a unas modelos y presencia un asesinato, viéndose involucrado en el suceso. Se trata de Femme Fatale del 2002, una cinta que cuenta con bastantes secuencias bien elaboradas, desde su carácter de set pieces y donde lo visual es generador de emoción y deslumbramiento para el espectador. Una obra que recuerda sus mejores trabajos en el género y muestra que el realizador todavía estaba vigente.
Título: Femme Fatale
Guion: Brian De Palma.
País: Francia y Suiza.
Año: 2002.
Continúa con una cinta de Cine Negro, basada en una novela de James Ellroy, llamada The Black Dahlia en 2006. Además, basada en la historia real de los crímenes de la Dalia Negra. En esta ocasión el resultado es desigual, no se crea un correcto trabajo de misterio que ahonda en una explicación ficcional de los eventos que rodeaban a los hechos reales. Tampoco funciona muy bien el ritmo y la cohesión general del argumento. Es así que el resultado no es el mejor.
Título: The Black Dahlia
Guion: Josh Friedman. Novela: James Ellroy.
País: Estados Unidos.
Año: 2006.
Regresa al cine bélico, recogiendo el mismo mensaje de Casualties of War para aplicarlo al conflicto en Irak. Entonces Redacted de 2007 cuenta la historia de un grupo de soldados que violan a una chica local, luego de un suceso trágico con una mina. Un personaje se opone y los demás tratan de encubrir lo sucedido, una trama muy similar a la otra cinta mencionada, con las consecuencias de lo que ocurre, solo que en una versión más actual. A pesar de ello, es una obra interesante y que continúa esa exploración de la temática fuerte y relevante socialmente, aunque es verdad que resulta opacada por su otro filme.
Título: Redacted
Guion: Brian De Palma.
País: Estados Unidos y Canadá.
Año: 2007.
Passion de 2012 es un remake de la película Crime d’amour de Alain Corneau de 2010. Una reciente incursión al thriller, con algunos aspectos de su mejor trabajo en el género, pero sin ser del todo contundente. Dos mujeres, una ejecutiva y su jefe, pasan de ser amantes a odiarse hasta el extremo. Lo que más destaca es sin duda la puesta en escena y cómo se narra visualmente escenas de crimen o de suspenso. Esa nostalgia por sus grandes obras, en este caso, aunque está presente, se siente por momentos agotada y no en su mejor nivel. Pero, al tratarse de un estilo que va en esa vía retro de su carrera, siempre resultará algo cuanto menos encantador y entretenido.
Título: Passion
Guion: Brian De Palma y Natalie Carter.
País: Francia y Alemania.
Año: 2012
Estilo
Brian de Palma destaca por su aspecto formal, que va en función del argumento que se está contando. Su estilo va dirigido hacia la construcción de set pieces, secuencias cargadas de belleza visual, movimientos de cámara muy pensados y bien ejecutados y con múltiples detalles que hacen destacar cada segmento que es creado de esa manera. Además de que son tramas por lo general llamativas, criminales y con altas dosis de referencia al cine, a clásicos y a directores que el propio De Palma admira. Es sin duda un trabajo que deja recordación y que lo hacen destacar en grandes proporciones.
Aspecto técnico
Pantalla dividida
Quizá, es el director que mejor usa este recurso técnico que suele manejarse de forma innecesaria o injustificada. Se trata del hecho de poner dos planos al mismo tiempo en la pantalla. Con De Palma el recurso se usa en función de la creación de atmósferas y de tensión, siempre con dos perspectivas distintas que rodean una situación y por lo general, sin que una de las situaciones opaque o robe la atención de la otra.
Split Focus
Consiste en un desenfoque lineal en la mitad de un plano, donde el fondo y los objetos y personajes más cercanos están enfocados. Entonces De Palma lo usa para remarcar dos situaciones, con profundidad de campo, para delimitar y separar las emociones, las motivaciones y las situaciones en un mismo espacio.
Paneo Circular
Ya sea para hacer elipsis de tiempo o, mostrar distintas situaciones en un mismo espacio. De Palma lo usó de forma magistral por ejemplo en Obsession o en Blow Out.
Plano aberrante
Lo usa para reforzar sentimientos bruscos que viven los personajes o momentos de gran impacto, el cual consiste en romper la línea horizontal del encuadre para ver una inclinación angular en lo que se está viendo.
Slow Motion
Otro recurso que muchas veces no se usa de forma debida, especialmente en cine de acción reciente y más comercial. Pero el ralentizar la imagen es clave en las secuencias de suspenso que crea, transmitiendo una fuerza exaltada acompañada de belleza estética y visual.
Plano Secuencia
De Palma se toma su tiempo para generar tensión, y el manejo de los espacios suele ser importante por lo que el uso ininterrumpido de las tomas aumenta el disfrute del espectador y la calidad de sus set pieces.
Subjetivas
Con influencia de los Giallos italianos, De Palma recurre al plano subjetivo (cámara desde el punto de vista de un personaje) en algunas ocasiones puntuales para generar misterio y por supuesto tensión.
Aceleración de la imagen
El único recurso técnico que quizá no ha usado tan bien en su cine, aunque hace parte esencialmente de sus primeras películas, las cintas más políticas y de comedia, donde se intenta generar una situación graciosa, pero que no es para nada efectiva.
Soundtrack
Dos compositores relevantes que lo han acompañado son Bernard Hermann y Pino Donaggio, que ayudó mucho a reforzar grandes momentos de sus películas.
Aspecto temático
Voyeurismo
Es un concepto que tiene influencia en su propia vida, ya que cuando era pequeño su madre sospechaba que su padre lo engañaba. Así que él empezó a seguirlo, con binoculares y demás elementos cercanos a un detective privado. Anécdota que se mantuvo en su mente (exhibida por ejemplo en Home Movies o en Dressed to Kill), sumándose películas como Rear Window de Hitchcock de 1954 o Peeping Tom de Michael Powell de 1960. Entonces el tema es fundamental en su cine, especialmente en todos sus thrillers de suspenso. Personajes que vigilan, persiguen, observan, espían (por lo general a mujeres) y poseen ese vouyerismo innato en ellos.
Crítica social y contestataria
Su primera etapa fue centrada en comedias satíricas, donde expone su visión antibélica en consonancia con el contexto del momento (sesentas y setentas) y conceptos políticos contrarios a lo establecido y a lo más conservador.
Visión anti-bélica
Con dos películas que tocan el tema de forma directa, Casualties of War y Redacted. Además de sus primeras obras más cercanas a una conciencia hippie y liberal. Se centra de esa manera en mostrar las consecuencias de la guerra, de los efectos que produce el conflicto bélico y todo lo que representa en los seres humanos y los que participan (por obligación o decisión) en él.
Crimen
Otro segmento de su filmografía expone un acercamiento al cine de crimen, mafia y gangters. Sarface, The Untouchables, Wise Guys o Carlito´s Way dejan ver personajes que experimentan el mundo criminal, por lo general con el reflejo de los aspectos negativos de involucrarse en él.
Suspenso
Con la gran influencia de su maestro Hitchcock, el género es su predilecto. De Palma entonces, se convierte en un maestro a su vez para tratar las claves principales del suspenso, creación de atmósferas, misterio y tensión.
Erotismo
Con influencia también de los Giallos, y en consonancia con el tema vouyerista, los momentos íntimos son parte importante de muchos de sus thrillers, donde la figura femenina sale a destacar.
Doble identidad – falsa identidad
Siguiendo, una vez más, la esencia del cine de Hitchcock, muchas de sus obras también se adentran en personajes que tienen doble identidad, en misterios que exhiben personajes disfrazados o con múltiple personalidad.
Set Pieces
Otro gran elemento característico suyo son las secuencias y escenas planeadas y muy bien construidas, haciendo de ellas momentos memorables en sus películas, donde destacan por los aspectos técnicos ya mencionados, en adición al uso de música interesante y un recurso visual y estético que llama la atención. Además, que se trata de secuencias en las que ocurre algo muy importante desde la trama principal.
Referencias
Su pasión refleja un aprendizaje de maestros y obras relevantes de su visionado como espectador. Desde Hitthcock y todo el tema de suspenso, algunos aspectos técnicos y visuales (por ejemplo, con la película Vertigo de 1958), Jean Luc Godard con el rompimiento de la narrativa de montaje lineal (en esa etapa de sátiras), Dario Argento y la belleza visual de los Giallos y la construcción de las muertes y asesinatos o Michelangelo Antonioni con premisas de gran inspiración como la de la película Blow Up de 1966, entre muchos otros.
Actores Fetiche
Hubo muchos actores que trabajaron con él en varias ocasiones a lo largo de su carrera. Entre ellos Robert De Niro, Nancy Allen, William Finley, Jennifer Salt o John Lightgow.
Legado
Director algo relegado, pero que ha aportado clásicos del cine, set pieces inolvidables, un estilo único y personal que se reconoce de inmediato y premisas que generan recordación. Su influencia ha sido grande en generaciones posteriores a la suya, desde Quentin Tarantino (que usa muchos de sus recursos técnicos y de su estilo) hasta Noah Baumbach (por la motivación relacionada al campo cinematográfico). Un realizador pues a tener en cuenta, que incidirá en momentos reamente disfrutables y para recordar viendo muchas de sus películas.
Aquí el orden de sus mejores películas, de la mejor a la menos destacable
(lista personal del redactor):
1.The Untouchables
2.Blow Out
3.Body Double
4.Carlito´s Way
5.Dressed to Kill
6.Carrie
7.Scarface
8.Casualties of War
9.Sisters
10.Mission: Imposible
11.Raising Cain
12.The Bonfire of the Vanities
13.Phantom of the Paradise
14.Snakes Eyes
15.Femme Fatale
16.Mission to Mars
17.Obsession
18.Redacted
19.The Fury
20.Passion
21.The Black Dahlia
22.Murder a la Mod
23.Wise Guys
24.Get to Know Your Rabbit
25.Home Movies
26.Dionysus in ’69
27.Hi, Mom!
28.Greetings
29.The Wedding Party
Por último cabe recomendar el documental centrado en su filmografía que hizo Noah Baumbach y Jake Platrow en 2015, un gran acierto y un homenaje bastante merecido llamado De Palma.
https://youtu.be/97XoMjwoZ5w
Revisión del trabajo y estilo de Brian De Palma en el Podcast 24 Cuadros X Segundo en su programa número 119:
Referencias
- IMDB
- COLMENA, Enrique. Brian De Palma. Ediciones JC.